Pubblico una "recensione" che mi ha particolarmente colpito dello spettacolo teatrale tratto da Oceano Mare di Baricco, a cui ho preso parte come attore (mia parte: prof. Bartleboom). E' stata redatta da un amico del regista.

Ventre del mare

Regia di Mirco Cittadini

Il teatro di Mirco Cittadini, ormai lo sappiamo, è un teatro di spazi e violazioni di spazi. L’ambizione, in questa realizzazione, di avere sempre sul palco tutti gli attori, produce una ininterrotta percezione di invadenza dalla quale i personaggi si difendono attraverso la declamazione stentorea (rara) o il bisbiglio (frequente). Ne deriva un caos emotivo, un sovrapporsi di storie, egocentrismi, condivisioni, complicità, dedizioni, salvamenti mai definitivi. I solitari protagonisti, alla ricerca di se stessi e di risposte alle proprie personalissime fissazioni, finiscono per trovare altrove e in altri le temporanee risposte o l’aprirsi di ulteriori impreviste possibilità. Gli altri, che con la loro ininterrotta presenza impediscono il crearsi dell’isolamento, della separazione, della dedizione cocciuta e solinga, diventano la vita, la salvezza materializzata nell’amore, nell’amicizia, nell’ascolto. La violazione dell’intimità si trasfigura in salvazione.
Intorno ai dialoghi, intorno ai monologhi “gli altri” costruiscono “stanze”, finti, permeabili muri di nastri che chiudono i momentanei protagonisti in cubi aperti in alto, aperti di fronte. Dalle pareti, inganno di intimità, filtrano sguardi, sporgono mani e braccia, penetrano, per capillarità o osmosi, desideri, sogni, ricordi. Mai soli, i personaggi di Ventre del mare cercano in sé se stessi ma si ritrovano, infine, in altri.
Il mare, luogo iperonimo di risposta, senso, guarigione, storia scandisce il tempo, l’eterno ritorno, l’eterna occasione di ricominciare. Offre l’inesplicabilità del suo essere oceano di fini e inizi mobili, ininquadrabili, indipingibili, indefinibili, carichi però di enorme potenza. Il mare mai uguale a se stesso assorbe le storie mobili dei personaggi, le mescola, le rifrange producendo svicoli nuovi e nuovi intrecci. Riemerge, nel materno spietato ventre del mare, il tema trasversale del teatro di Mirco Cittadini: la compassione. Tramortiti dalla vita, terrorizzati, frustrati, i personaggi svelano frammentariamente la povera grandezza del loro sogno. Ogni desiderio, ogni speranza (ci racconta Mirco da quando lo conosciamo) merita solidarietà, merita ascolto. Ogni oscura paura o fissazione è specchio di una grandezza, dell’intollerabilità all’uomo del divino in lui iscritto. Il terrore scaturisce dal balenare della terribile possibilità di comprendere in sé tutto l’oceano mare della vita e della storia, insieme alla mortale necessità di viverla tutta, quella vita, e alla quasi certezza di non potercela fare.
E’ al monologo di Elisewin (il miglior recitativo della serata) che si affida il tema dell’opera: “…Io la voglio, la vita, farei qualsiasi cosa per poter averla, tutta quella che c’è, tanta da impazzire…”.
E gli attori tutti diventano vita, diventano mare; diventano, insieme, il complesso disordinato e armonico della storia, il disporsi coerentemente entropico delle onde, il sovrapporsi dei fruscii, gli improvvisi silenzi della bonaccia che obbedisce agli stupori delle epifanie esistenziali.
Teatro di volumi e di danza, quello di Cittadini è anche un teatro di veli.
Gli attori mutano personaggio al mutare di un singolo oggetto o capo di vestiario (perché la mutazione di sé è cosa vicina, a portata, spaventosamente possibile). E alla vestizione (che è quasi sempre prodotta dall’esterno: altri rivestono, altri spogliano) si accompagna la velazione (c’è un inconscio ritorno, in Cittadini, a modelli mitologici, dove la leggerezza del velo fa schermo alla potenza del magico e del sacro: si pensi all’impalpabile veste che Medea dona alla principessa di Corinto; alle bende del dio avvolte nello scettro del sacerdote di Apollo…). Anche etimologicamente la velazione evidenzia il livello ambiguo del coprire/non coprire/coprire parzialmente: dove rivelare è allo stesso tempo “rendere visibile” e “tornare a nascondere”.
Se idealmente l’opera si apre con il monologo di Elisewin, idealmente si chiude con quello di Padre Pluche, con le quattro possibili possibilità cui si apre la sua vita e con la gioiosa, seppure turbata consapevolezza di potere liberamente sceglierne una, quale essa sia.
Il rifiuto della paura che Elisewin esprime all’inizio si riscontra nella certezza di non averne che Padre Pluche sottolinea nella preghiera finale.
Se qualche osservazione si può muovere all’ambizioso tentativo di ridurre sul palcoscenico le psichedeliche visioni di Baricco, direi che due sono gli scogli: un eccesso di ellitticità, una carenza di recitazione. E di entrambi attribuiamo serenamente le colpe al regista, incolpevoli i suoi attori/allievi. Cittadini aspira a un pubblico intelligente e colto, e fa bene, ma in questo caso lo obbliga a un eccesso di ruolo: il montaggio devasta le storie, e le evoluzioni dei personaggi subiscono drastiche scorciature. I cambi di destinazione e i diversi percorsi intrapresi risultano spesso così bruschi da parere immotivati. Solo un lettore recente del romanzo Oceano mare potrebbe facilmente integrare le assenze di liason, ma questo non sarà forse opportuno fino a che Oceano mare (il romanzo) non diventerà un fondamentale classico della letteratura (ma, forse ahimè, non lo diventerà).
Ulteriore difficoltà lo spettatore incontra nel seguire dialoghi e monologhi, spesso sussurrati al limite del bisbiglio, talvolta poco espressivi. Il raccontarsi promana dai personaggi più per gesti che per parola: ma mettere in scena Baricco significa in primo luogo, credo, rendere omaggio al potere fascinoso della parola. In effetti gli attori quasi mai raccontano al pubblico; più spesso raccontano a se stessi o raccontano a chi altri sta sul palcoscenico (frutto prezioso dei laboratori espressivi del regista) obbligando lo spettatore a una sorta di “violazione di domicilio” che accosta al voyerismo, che è elemento tipico del teatro cittadiniano, un indiscreto spionaggio acustico. Come se il personaggio si denudasse per pochi intimi accettando che se qualcuno passasse di là, per caso, come per caso si arriva alla locanda Almayer, gli sarebbe lecito sbirciare e lui non si opporrebbe.
Bravi gli attori a tenere il palco, con la consueta tendenza ad appropriarsene con sempre maggiore sicurezza via via che l’opera procede e l’uomo diventa attore, l’attore personaggio. Professionale la capacità di superare intralci e dimenticanze improvvisando con convinzione. Da curare, come già detto, vocalità e interazione con la platea.
Men of the match: Valeria Bissa per Ann Devarià, perfettamente a proprio agio, quasi una seconda natura, nell’adulterità connaturata ed Elisabetta Leopardi (un’attrice dalle vibre giuste) per il monologo di Elisewin (meno convincente nella seconda parte).
Già a buon punto, ma con notevoli margini di miglioramento, Francesco Sessa per Bartleboom, Alice Dal Bono per Dira, Marco Canullo per Padre Pluche. Per presenza scenica nulla può offuscare l’animalità di Gabriele Pesenti: qualunque ruolo gli si affidi riempirà sempre il palco di potenza e umanità.
Ci sarebbe piaciuto, infine, un cameo del regista. Possibile che proprio uno come lui non avesse da passare (per sbaglio, si capisce) dalla locanda Almayer?